El Op Art es un movimiento artístico que surge a finales de los años 50 y tiene su máximo esplendor en la década de los años 60. Es una abreviación de Optical Art, que en español sería Arte Óptico, y un perfecto exponente del arte geométrico.
Contra el carácter de la abstracción de posguerra se produjeron en los años sesenta dos reacciones: una de carácter figurativo, que recurrió a las imágenes de los medios de masas, es el Pop-Art. La otra, el Op-Art, de carácter abstracto, cuyos antecedentes están en la fascinación por la geometría presente en la vanguardia.
QUE ES EL ARTE OPTICO
Esta corriente se propone producir efectos visuales de relieve, profundidad o movimiento mediante líneas y colores planos y estáticos. Juega con la idea de ausencia total del movimiento real. Así, crea efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación. Se suele valer de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos. También hace uso de cambios de forma y tamaño, así como combinaciones y repeticiones de formas y figuras geométricas.
EL USO DE FIGURAS GEOMETRICAS SIMPLES
Usa figuras simples como cuadrados, rectángulos, triángulos y circunferencias en tramas, grecas, combinaciones con rombos y, a veces, formaciones complejas, tales como polígonos.
Juega con el efecto vibrante de ciertas combinaciones de colores. A veces las obras Op Art generan un gran efecto de profundidad, aunque también se juega con la confusión entre los diferentes planos de la obra. Se hace asimismo un uso estratégico de las luces y las sombras para contribuir a los efectos visuales. De hecho, en muchos casos el observador es el que ha de participar activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico en su totalidad.
CARACTERISTICAS DEL OP ART
Sobre la técnica, se suele renunciar al óleo, en beneficio de la pintura acrílica, con el objetivo de obtener superficies lisas, limpias y definidas hasta el extremo.
Frente a otras vanguardias del siglo XX y su defensa del subjetivismo, el Op Art pretende todo lo contrario. En la búsqueda de una objetividad radical, no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones personales o colectivas: no existe ningún aspecto emocional en la obra. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos.
EL USO DE EFECTOS ÓPTICOS
Las obras interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente.
Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio. Usa el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos o el efecto Moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos. Tampoco renuncia a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
NOMBRES DEL OPT ART: VICTOR VASARELY, BRIDGET RILEY, JOSEF ALBERS, FRANK STELLA, …
A mediados del siglo XX varios artistas como Josef Albers, Victor Vasarely yM.C. Escher empezaron a explorar en sus obras distintas formas provocar estas reacciones visuales. El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno MOMA de Nueva York titulada The Responsive Eye, que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland. También se inscriben dentro de esta corriente el español Eusebio Sempere y el colombiano Omar Rayo. Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público y pronto se convirtió en punto de inspiración de diseñadores de alta costura, publicistas y diseñadores gráficos.
FRANK STELLA
En realidad, la tendencia hacia la abstracción minimalista en la pintura fue tan importante para el arte americano de la década de los 60s como la proliferación del pop. Un ejemplo puede verse en las primeras obras de Frank Stella. Eran todas telas negras, surcadas con rayas paralelas de ancho uniforme, empleadas para conjugar con las varillas de madera del soporte del cuadro.
Poco después, Stella realizó más series de cuadros con rayas en aluminio, cobre y pintura de color magenta. Esto resaltaba la idea ya latente en sus cuadros negros, al igual que en la obra de Morris Louis, de que las creaciones eran artefactos no figurativos, totalmente independientes, añadidos a un mundo lleno de objetos, que ahora debían apartarse para dejarles un lugar.
ROBERT RYMAN
El discurso limitado de la primera etapa de Stella, en la que su tema es la percepción estética y el modo en que opera, afectó a otros compañeros de generación, como Robert Ryman y Agnes Martin.
En los óleos blancos Ryman se ocupó de la cualidad de la pintura en sí y de la forma en eque se comportaba sobre las diferentes superficies. Durante esta búsqueda empleó una gran variedad de materiales : lienzos tensados y sin tensar, papel de trapos artesanal, plástico,etc…
AGNES MARTIN
Por su parte Agnes, mas mayor, empezó a pintar tarde y no celebró su primer monográfico hasta 1958. sus lienzos cuadriculados están en la línea del espíritu de los 60s. Sus delgadas líneas dibujadas sobre fondos acrílicos o al óleo monocromo, son, a primera vista poco visibles. En efecto, esta dificultad es su intención. Su verdadero tema es la percepción en sí,o es decir, la reacción que la superficie del cuadro produce en la retina.
JOSEF ALBERS
Primero estudiante y luego profesor en la Escuela Bauhaus, Albers emigró a los EEUU en 1933 y en los años 40s comenzó a interesarse por los efectos que se producían con la manipulación del color. En los 60s se embarcó en la interminable serie Homenaje al cuadrado.
Estas composiciones son en cierto sentido formalmente inertes. Consisten en un cuadrado incluído dentro de otro mayor, pintados en un lienzo también cuadrado. Explotando las leyes de la armonía y el contraste del color, Albers les confiere dinamismo, de modo que el área central parece avanzar o retroceder indistintamente.
BRIDGET RILEY
Efectos similares pueden encontrarse en los lienzos en blanco y negro de realizados en los 60s por Riley. Sus referentes, además de la Bauhaus, incluyen a los futuristas italianos como Boccioni y Balla, y al neoimpresionista Seurat, cuya obra estudió profusamente cuando era estudiante.
A diferencia de Albers, sus obras retratan las fuerzas naturales, como el fluir del agua, sin hacer referencia alguna a paisajes. Sus cuadros traen a la mente ideas y sensaciones que van más allá de los límites de la mera teoría estética, lo que la distancia del expresionismo abstracto americano.
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Licenciada en Ciencias de la Información por la Universidad de Sevilla, Master en Radio por la Universidad San Pablo CEU y doctorando ex-tesis de Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid. Posee más de 20 años de experiencia en comunicación, radio y medios escritos.